Maintenant que nous nous sommes débarrassés de la moitié du lectorat dont les poils pubiens (pour ceux et celles qui en ont) se sont hérissés à la lecture du mot « techno »(*), installons-nous confortablement pour un périple quasi-mystique avec « Ideas from the pond » (Music Man Records), la dernière sortie du talentueux Croate.

Techno, oui, mais techno mélodique. Passe ton chemin si tu veux de la BOUM BOUM pour épater tes amis avec le gros sub’ de ton Opel Kadett ‘87 sur le parking d’une quelconque moyenne surface de ton bled. Comparé à Sven Vath et Laurent Garnier par ses thuriféraires, Petar Dundov construit ses morceaux avec raffinement et une maîtrise impressionnante du crescendo. Change pas de main…

Imaginez la b.o. de Top Gun gorgée de Rohipnol

A l’écoute des 7 pistes (d’une durée moyenne de 11 minutes tout de même) de « Ideas from the pond », on comprend vite pourquoi le Dj/producteur de Zaghreb décrit la techno avec l’expression “ghost in the machine”. Sa musique semble être le fruit d’une forme de mécanique surnaturelle, chaîne spectrale électronique menant à des climax éthérés. Le bonhomme excelle tout particulièrement dans la superposition de nappes qu’il empile les unes sur les autres tout en douceur, avec un touché expert. Un type qui attend la 4ème minute avant de glisser un kick dans un morceau (Brownian interplay), ça ne se trouve pas au coin de n’importe quelle platine.

Les différentes couches de cette lasagne électronique sont bourrées de sonorités eighties plus qu’assumées, avec juste ce qu’il faut de rétro-futurisme pour vous évoquer Jean-Michel Jarre comme étant un agréable souvenir. Là où le frenchie se retrouve acculé et finit par produire de la musique de fond pour publicité para-pharmaceutique, Petar sublime le style avec des montées en puissance et une véritable philosophie de la musique techno. Imaginez la b.o. de Top Gun gorgée de Rohipnol histoire de s’enfiler ça sans s’en rendre compte, et vous y êtes (presque). En résumé, un album enivrant, savant cocktail de morphine et de caféine, à écouter fort. Très fort.

(*) C’était juste une plaisanterie : le distingué lecteur de YBB, aussi exigeant qu’il soit, est aussi connu pour son ouverture d’esprit.

Cette troisième livrée de V.O. s’avère être très travaillée, plus encore que leurs précédentes productions. The Missing Part, piste inaugurale, vous l’indique d’entrée de jeu : vous allez être tantôt secoué, tantôt bercé par des compositions capricieuses, exigeantes, à l’image des membres du groupe. Un disque qui vous happe et vous retient, et ne vous libère qu’au terme de sa onzième piste, ému.

Les accents toniques des guitares accrochés aux hourras des trompettes font de l’album une petite pépite d’indie pop. Il faut dire que le sextuor bruxellois a voulu se donner les moyens de sa politique, allant jusqu’en Ameriki pour enregistrer dans le beau studio de John McEntire, membre entre autres de Tortoise et de The sea and cake, ingénieur/producteur à ses heures. Mais fallait-il traverser l’Atlantique pour aller décrocher une pointure ?

(…) trois superbes chansons dans la langue de David Charvet

On devine une collaboration, si pas difficile, à tout le moins distante avec l’Américain. C’est sans doute quelque part dans cette complicité laborieuse à installer que se sont perdus les quelques accents qui auraient pu permettre à la version enregistrée de transporter l’auditeur de la même façon que les performances en public.

Car il faut avouer que les prestations live du groupe (toujours à la hauteur) s’avèrent plus personnelles, plus poignantes que l’album, où les morceaux semblent prisonniers telles d’appétissantes pâtisseries sous une cloche de verre, leur ôtant un je-ne-sais-quoi de chaleur et de vitalité (ce fameux petit supplément d’âme comme dirait France Gall).

Ceci étant dit, « On Rapids » n’en demeure pas moins une savoureuse friandise pour le coeur et les tympans. On se laissera volontiers emmener à la dérive par ses percussion et ses rythmiques s’accélérant, subjugué par les douces voix de Boris et Aurélie. Et désormais en français également puisque nous sommes gratifiés de trois superbes chansons dans la langue maternelle de David Charvet.

Dernier conseil : prière de se passer en boucle Dans la pénombre, tourbillonnante poésie suspendue aux écrous d’une caisse claire cadencée comme une locomotive à vapeur (c’est que V.O. a toujours su choisir ses batteurs… à défaut de les conserver).

Après la confection de 4 mini-EPs courant 2011,  Tom a sorti une première longue réalisation intitulée « Apeiron » en fin d’année. Coup de pot, l’album a tapé dans l’oreille du label nippon Nature Bliss (ex Plop) qui a décidé de le ressortir masterisé par Chihei Hatakeyama. C’est carrément pas de la merde.

« Apeiron » oscille entre ambient, electronica et acoustique avec ce même esprit zen qui nous accompagne d’un bout à l’autre de l’album. Et ce n’est sans doute pas une coïncidence si ce jeune homme originaire du Michigan se retrouve sur un label japonais tant sa musique rappelle par moments certains maîtres du genre  comme Takagi Masakatsu ou Akira Kosemura.

Si il ne fallait donner qu’un seul qualificatif à ce disque, el Chino suggérerait apaisant. Alors toi aussi apaise-toi au rythme de ces 15 morceaux pour la modique somme de 10$. Et pas besoin de vous dire que ça les vaut amplement.

M pour Montréal est un « festival vitrine» destiné à faire connaître la scène émergeante montréalaise à un parterre de délégués internationaux plus vrai que nature. Journalistes branchés des Inrocks, attachés de presse 2.0, bookers à cigare, boss de grands festivals des quatre coins du monde et désormais, Blondie de chez YBB inc. (hum!). Une programmation axée sur les découvertes locales, des concerts dans une multitude de lieux plus cools les uns que les autres (la sat, salla rossa, casa del popolo, …), le concept de départ semble alléchant.

Pourtant les manquements ne tardent pas à sauter aux yeux. Les concerts s’avèrent en fait être des showcases de 30 minutes et le public est souvent composé de « délégués» parfois plus intéressés par la bière locale ou par l’opportunité de trouver de l’herbe de Colombie-Britannique, réputée comme étant la meilleure au monde.

3 clichés rock se cachent dans cette photo: "le chanteur ténébreux qui fume", "le mec moyennement photogénique qui fait le con" et "la fille", Pourras tu les retrouver?

Pas évident dans ces conditions d’installer une véritable atmosphère. Les premiers jours ne sont qu’une succession d’instantanés pas toujours marquants, naviguant entre des disciples d’Arcade Fire, des nouveaux sauveurs de l’indie pop ou des groupes de post-rock islandais. Certains parviennent tout de même à tirer leur épingle du jeu ; Jimmy Hunt notamment qui au Café Campus, impose le respect par une prestation sobre et désabusée; impeccable.

D’ailleurs niveau infos, on est pas gâté-gâté. Tout ce qu’on sait c’est que Brothaz Bent est un trio pêchu issu de Los Angeles. Le groupe a sorti son premier et unique disque sur Blunt Boogie Records, un label monté par leurs soins.

Ses trois emcees Woozy, Don Chalant et Animosity ont choisi de donner une sonorité très 90′s à « Up from the desert« . L’album se démarque surtout par ses instrus fins d’inspiration jazz à l’image des excellents titres Feast of the Fortress et Life of a Fool.

Il se dégage une réelle homogénéité des 22 morceaux qui composent « Up from the desert« . Brothaz Bent a su tisser dès sa première réalisation un univers particulier et bien à lui.

Sans doute trop défoncé pour s’en rappeler, le groupe avait annoncé une suite à ce projet en collaboration avec le rappeur new-yorkais Roc Marciano. On attend toujours. Et comme on ne fume pas de la merde chez Brothaz Bent, ils en ont même oublié leur nom. C’est désormais sous le titre de Arch Druids qu’ils préparent leur album invisible.

Brothaz Bent: Up From the Desert « Feast of the Fortress » from Evan Romoff on Vimeo.

Disons-le tout net, coller exclusivement sur le nom de « Ghostly International » l’étiquette « label » serait réducteur au point de faire de l’ombre à une célèbre invention de Rick Moranis. Comment expliquer le concept dans une telle situation ? Mieux vaut encore reprendre leurs (pas si) propres termes et parler d’un « conservateur culturel multi-plates-formes ». Voilà une bien belle définition qui devrait en boucher un coin à plus d’un expert en jargon marketing. Heureusement que Dr. Peyon est là avec son gros dictionnaire pour vous proposer une traduction : il s’agit d’une belle tripotée de sacrés touche-à-tout .

Ghostly International a vu le jour en 1999 sous la forme d’un petit label de pop et techno expérimentales. Progressivement, la tentaculaire initiative s’est déployée pour tisser, dessiner, sculpter et composer la toile d’un univers artistique basé sur l’esthétique (l’emploi d’une majuscule serait défendable). Une approche globale -voire globalisante- qui fait se rencontrer musique, photographie, design, graphisme, techno-bricolage et autant d’autres petites perles issues du grand foutoir des arts numériques. Dans les faits, cela donne des collaborations avec des noms à en faire pâlir un ours polaire albinos : Adult, Doom, Flying Lotus, J. Dilla, … Et on en passe parce qu’on n’est pas payé à la ligne !

Là évidemment ça ressemble fort à un label de base et le questionnement existentiel de Pink (ça c’est de la référence) résonne dans votre tête d’une façon douloureuse : so what ? Allons donc voir plus loin que le bout de nos oreilles. Pour faire plaisir à nos jolies mirettes, Ghostly habille ses disques avec sobriété et à-propos. Du géométrisme psychécoloré et des crayonnés végétaux d’Andy Gilmore aux dessins naïfs acidulés comme des bonbons Napoléon de FriendsWithYou, il y a une fois de plus de tout dans la boîte à crayons de Ghostly. Et pas seulement de l’inanimé, mais aussi des clips que l’on classe volontiers dans son cerveau dans le tiroir « j’ai pas tout compris mais je suis d’accord ». Un exemple ? Ce clip parfaitement angoissant de Morgan Beringer, où une jeune fille (à l’air vaguement constipé) semble partagée entre l’envie de faire une pub pour du shampooing ou postuler comme danseuse chez Le Roi du Matelas :

Visible Emotion – Ginna Lee – Excerpts from Morgan on Vimeo.

Dans le registre de la fusion des disciplines, l’outil « Ghostly Discovery » résume plutôt bien la plate-forme dans son avidité de pluralisme et de convergences. Il s’agit d’une application de podcast pour smartphone (également accessible via votre navigateur) qui façonne sa playlist en fonction de votre humeur du moment et afine la sélection selon deux critères : le rythme (de lent à rapide) et le style (« organic » ou « digital »). Bon, ok, c’est gadget, mais sur le plan esthétique et ergonomique, c’est ‘achement bien foutu. Qui plus est, l’application vous donne accès à l’intégralité de la discothèque de Ghostly International et de Spectral Sounds (ce dernier étant le penchant dj/dancefloor de Ghostly en tant que « simple » label). Une façon originale de découvrir de nouveaux artistes.

Touche-à-tout, disions-nous, mais pas à n’importe quoi (et sûrement pas à mon pote), on sait cependant faire le tri chez Ghostly, tout en évitant soigneusement de se laisser punaiser un style (musical ou autre) sur le front. S’inscrivant dans un souhait d’évolution perpétuelle, la plate-forme n’est pas seulement impossible à définir : elle en refuse même l’idée. « To define Ghostly International would only serve to limit it. » Là, c’est dit ! Ce qui est une force puisque tout un chacun devrait trouver au moins un artiste à se mettre sous la dent au sein de leur bibliothèque de talents. Moins de blabla, plus de chroniques avec un rapide aperçu de trois groupes choisis pour vous par votre distingué chroniqueur (a)mateur.

• Lire la chronique de Tycho
• Lire la chronique de Phantogram
• Lire la chronique de Com Truise
• Participez à notre concours Ghostly International avec des beaux vinyles à gagner et tout

Avec son electronic(a) en provenance directe de la côte ouest américaine, Scott vous plonge la tête dans des loops doublés d’ambiance de fonds marins électroniques sans pour autant vous donner l’impression d’écouter une compilation karma-lounge édition “chants des baleines”. Il réussit à exploiter avec subtilité des sons rétros dignes du générique de « Côte Ouest » ou de l’excellent “Crokett’s Theme” de Jan Hammer, sans les guitares électriques 80’s ni le sourire de Don Johnson. Le kitsch en moins, fallait-il le préciser ?

2011 fut pour Tycho l’année de « Dive« , somptueux voilier électro-ambiant glissant sur un océan de glace. Il aura fallu se montrer patient pour que, après une distillation de morceaux au compte-gouttes depuis 2007, un album émerge enfin. Tycho sait prendre le temps, et cela s’entend tout au long de la croisière à laquelle il nous convie.

Dans un registre moins burlesque (et sans doute plus flatteur), Tycho pourrait bien être (sans en avoir la prétention) une sorte de chaînon manquant entre Helios, pour la profondeur de ses instrus, et une version sous péridurale de l’association momentanée Herrmann and Kleine. On se réjouira en effet d’une réelle proximité sonore entre son travail et celui du duo germain (surtout sur l’EP Kickboard Girl) et principalement avec les créations de Christian Kleine pour le jeu des beats et des ambiances feutrées (e.g. le morceau Red Norvo de ce dernier).

Au final, l’album de Tycho flotte comme une bulle d’eau en suspension dans l’atmosphère. Il fait partie de ces disques qui ont le pouvoir d’altérer la vitesse de défilement du paysage.

Fanatique de synthétiseurs et de sonorités rétro-futuristes, Seth Haley est un DJ aux mille side-projects. N’étant pas le dernier à entreprendre une bidouille musicale, il cherche à conférer à ses mélodies plus qu’une nostalgie eighties (bien que celle-ci soit clairement assumée) : son objectif est d’insuffler à ses morceaux des « fragments de Joy Division, New Order et The Cocteau Twins« .

Monsieur Haley est un lettré et il prend un malin plaisir à passer toutes ses saines influences à la moulinette et dans d’autres mixeurs de tous genres. On ne sait plus trop si ses outils appartiennent au monde de la cuisine, au domaine de la proto-informatique ou à l’univers des armes de funkification électronique, mais qu’importe : le résultat est toujours démentiel et original. C’est ce qui compte.

Le premier long-playing de Com Truise, « Galactic Melt« , est donc un OVNI de plus à ajouter à vos collections d’amateurs de chiptunes et de funk, combinaison audacieuse nous en conviendrons, mais ô! combien savoureuse quand elle est si bien réussie. Et vu l’hyper-activité de Haley, nul doute qu’il nous assène d’autres comètes sonores avant les 76 prochaines années.

Enfin, s’il vous prend l’envie de déambuler downtown un ghetto-blaster sur l’épaule, nous ne pouvons que vous recommander de laisser traîner votre oreille sur les « komputer casts » disponibles sur son site, des mixtapes sur lesquels vous retrouverez entre autres ses créations. Si vous tentez l’aventure, préparez-vous à être suivi dans la rue par des mecs affublés de lunettes de soleil fuschia flashy et attifés comme dans le film « Breakin‘ ». Un battle n’est pas à exclure, vous êtes prévenus.

Sarah Barthel et Josh Carter qui forment le duo de Phantogram sont des gens propres sur eux. Bien coiffés, look indie, une mine à manger sainement et pas une mèche de cheveux qui dépasse (sauf de façon intentionnelle). Leur registre c’est l’électro-rock. Toutefois, peu satisfaits de cette étiquette, ils préfèrent qualifier leur style de « street beat, psych pop ». D’aucuns les comparent aux Britanniques de The xx, on vous laissera juger…

C’est en marge de leur ville natale qu’ils se retirent quasi quotidiennement pour composer et enregistrer, dans une grange au doux nom de « Harmony Lodge ». Pour officier, le couple scénique s’arme de la guitare de Josh et du clavier de Sarah ainsi que d’une sélection judicieuse de synthés, de samplers et autres appareils à boucles.

Depuis 2010, le duo s’est muté en trio avec l’arrivée du batteur Tim Oakley, étape somme toute logique pour un groupe dont les morceaux trouvent leur genèse dans les beats et les enchevêtrements de rythmes. Ce qu’on en retient c’est une forme de sincérité et le chant de Sarah qui nous emporte, bon gré, mal gré, aux rythmes des piaillements électroniques des Korg.

Il y a quelque chose de touchant dans la musique de Phantogram, une subtile note sombre enveloppée de suffisamment de punch et d’originalité pour donner sa pleine mesure à leur shoegaze. Ce que renforce encore la combinaison des voix de ses membres fondateurs. Résultat : une belle énergie avec des morceaux accrocheurs (When I’m Small, A dark tunnel) qui font mouche presque instantanément. Peut-être la plus grande force… et la plus grande faiblesse du groupe.

Auteurs d’un premier album en 2010 (« Eyelid movies », chez Ghostly International), c’est chez Barsuk qu’il faudra se rendre pour se fournir leur dernière plaque : l’EP « Nightlife » (2011).

Rock Ton garage avec Phantogram (Épisode 4) from Scène 1425 on Vimeo.

Macklin Underdown est un petit rigolo. Au lieu de donner un nom branché à son projet solo comme « Bears With No Ears » ou « ▲ ▼ ▲ », ce Ricain a décidé de l’appeler FTHRSN rendant dès lors sa musique inaccessible à Isabelle Mergault.

Avec « Hysteria » (2011 – Speaker Snacks Recs), Macklin a composé un 6 titres qui se révèle incroyablement entêtant. Si ses instrus peuvent parfois sembler un peu rudimentaires, notre bonhomme arrive à en tirer le maximum avec un chant passionné.

Il faut attendre la moitié du titre d’intro, So Long, pour s’apercevoir que FTHRSN propose des mélodies on ne peut plus accrocheuses. Un peu à l’image d’Animal Collective toutes proportions gardées bien entendu.

Des 6 titres composant « Hysteria« , rien n’est à jeter. El Chino ira même plus loin en affirmant qu’ils sont tous très bons (avec un coup de coeur pour Nothing’s the Matter). L’album est à télécharger gratuitement sur son Bandcamp tas de veinards et comme à son habitude el Chino, grand seigneur, a versé 5$.